A veces caes y picas, como con las chucherías los domingos a la tarde. Ves recomendaciones, y aplausos en redes, y le das al play a obras infames como “Grey Gardens”. Os pongo en situación, para que no os pase a vosotros.

La película está hoy en Filmin, que a veces se viste de maravilloso videoclub y otras de balda de Remar. “Una obra única, no verás otra igual”, decían los del streamin y Amaia Guelbenzu con todo su buen corazón. “Menos mal”, añado.

El metraje se adentra en la casa destartalada de dos primas de la realeza Norteamericana, parientes de los Kennedy, que están pajaritas. Intuyo que allí en EEUU, la cosa tendrá su morbo, el tema habrá tenido su recorrido y su sombra. Pero desde aquí, la plácida Donostia, es una mierda pinchada en un palo.

Poco importa que la hayan registrado los hermanos que hicieron “Gimme Shelter”. Podría haberla grabado un perro con una Go-pro. Cámara y audio – y un par de armas escondidas, que vaya par de protagonistas- se cuelan en la casa para hablar del pasado, de los buenos años, de los amores perdidos – o escapados corriendo, que normal- en dos guiones paralelos que se suceden en las cabezas de las damas de honor fotografiadas en una decadencia sin belleza, casi cruel.

Compararla con “El Desencanto” es emparentar las goitiberas con un Ferrari o a Vetusta con Radiohead. Reiterativa, monótona, sin más aliciente que ver el cronómetro llegando a su final del metraje, “Grey Gardens” es una película situacionista que te permite pensar en la lista de la compra o en los jerseys que has visto en la tienda del barrio. En eso, un 9,5

PD: Cristina Plaza me hace llegar esta obra de arte que mejora el original hasta límites insospechados

“Cómo ser una autora de éxito y no ahogarse en tus sentimientos”. Ese podría haber sido el título español de “Anonymous Club”, la película dirigida a la carrera de Courtney Barnett proyectada en el Dock Of The Bay. Una obra que parte de una premisa atractiva (que Courtney grabara en un magnetofón sus ideas durante una gira larga) y que ofrece sus puntos más interesantes lejos de esas voces en off.

Imagen y sonido se unen para un pequeño descenso a los infiernos. No es la de Barnett una cara cristalina, mantiene siempre la distancia aunque el cámara sea amigo suyo. Por eso no sabemos el grado de realidad de ver a la australiana machacándose, gestionando peor que mal las entrevistas, grabando solo frases bajoneras en el walkman y autoboicoteándose a la menor ocasión – las frases del camerino ante una sala llena que le va a cantar todas las canciones-. Sin llegar la sangre al río, que ella sabe que después de la tormenta siempre hay luz. Pero tan clara es la idea que el film acaba sus títulos de crédito con un mensaje que dice “Si has pensado cosas así o te has visto en estas situaciones llama a los siguientes teléfonos de ayuda”.

La imagen es, sobre todo en la primera parte, de videoclip largo, recogiendo conciertos brutales y canciones maravillosas. Y nos va llevando desde el enfado de su disco rock hasta la paz que va alcanzando con sus canciones más acústicas. Tiene algunos momentos tópicos (“Tocar las canciones así, sola, me va a permitir conocerlas de otra manera”) pero no llega a la soledad del avión de las estrellas del rock.

Mejores son los fotogramas referidos a la creatividad. Un proceso, el de escribir (esas) letras, que tiene muchos minutos y días de bloqueo, de choque, de dibujicos en el contorno de la hoja, de frustración. Un camino que tiene minutos chulos como los registrados en la habitación de hotel con el ordenador y la guitarra, buscando rimas desde la mayor de las cercanías.

También choca y sorprende que una autora que ha vendido medio millón de discos guarde todas sus cosas en un almacén, viva a veces en casas a cambio de tenerlas en orden y que salga en el film pasando un aspirador, lo nunca visto en este tipo de palmeos cinematográficos. Quizás remarcando el caracter humano, o disoluto, de los músicos. Pero uno acaba la proyección con ganas de coger la guitarra y canturreando las canciones de la protagonista. Y cuando pasa eso es una gozada.

Qué bien le sientan al Dock Of The Bay las películas musicales pequeñitas. Las que ponen el foco en una historia mínima para desempolvarla con cariño y cierto orgullo descubridor, en busca de la justicia. “Talking Like Her”, la obra de Natacha Giler sobre la autora Connie Converse, es una de estas pequeñas narraciones llenas de impulsos sobre una creadora libre y oprimida, desplazada de la línea temporal del éxito.

El éxito, ese término tantas veces usado en la peli, a veces cojea. ¿Qué es el éxito? Entiendo que Giler quiere referirse al reconocimiento de unas canciones costumbristas, arpegiadas como Dios ilumina los campos nublados. Y… ¿Acaso no hay más reconocimiento de que una directora decida hacer un film para honrarte, defenderte y buscar que te amemos? Y no es la única que va a poner imagen al folk de la norteamericana de bonitas canciones. Unos sonidos hoy asimilados y entonces inasumibles por género y enfoque.

En el fondo la vida de Connie es la vida del 99,9 por cierto de los autores musicales. Defender tus creaciones hasta que un día dices «basta» y te piras. Pero Converse puso la zapatilla en la clasista Norteamérica de los años 50, donde la mujer era un florero y una cocinera. “Talking with her” recupera algunos homenajes de autores coquetos (Destacó Martha Wainwright y “One By One”, pero la sombra del amor llegó en su día hasta Mike Patton),radioperiodistas efusivos y abueletes que la conocieron y registraron en vida.

Gracias a ellos podemos hoy escucharla en la grabación de cinta de bobina. La directora usa la “voz en off” para añadir literatura, ensoñaciones, deseos y entusiasmos mientras la película va poniéndose triste en un tramo final en el que habla de la depresión, el bajón y la desaparición (física y/o vital, no aclara ni importa) de una autora más cercana a Daniel Johnston que a Rodríguez «Sugar Man» en un país y una época homogénea.